Las chicas del cable: Analizando estilismos históricos

Esto no es lo que vengo a contar, pero bueno ya que vamos a introducirnos en esta serie os digo desde primer momento que mi opinión sobre esta serie es ¿En serio? ¿Para esto han quedado las flappers?

Las Chicas del Cable es una serie que nos han vendido como “La serie feminista” en la que nos contarían el empoderamiento de la mujer en una época tan difícil como los años 20 y con cuatro protagonistas mujeres. En realidad no es mas que las aventurillas llenas de “clichés” de cuatro operadoras de la primera compañía de Telefonía española que necesitan de su historia de amor, celos y malvadas villanas (por supuesto también mujeres) para pasar de puntillas por temas mas relevantes como el maltrato, identidad de género, homosexualidad,etc.
Ya ni hablamos de las cagadas históricas que muy probablemente disfracen de “licencias de guión”

En fin, que me lío. No todo son críticas y Helena Sanchís, la figurinista que da vida a los estilismos de la serie ha hecho un trabajo espléndido y cuidado hasta el más mínimo detalle.

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LA ESTÉTICA FLAPPER

Los años 20 suponen una de las eras más importantes en cuanto a revolución dentro de la moda. Imaginad a estas mujeres modernas, con su propio dinero y trabajo, obviamente la estética tiene que cambiar de manera necesaria, ya no son “mujeres de su hogar”, necesitan ropa para ir a su trabajo, a su oficina y así comienza a cambiar la estética hasta ahora vista.

La falda se acortará hasta llegar a media pierna, mucho más cómoda que las faldas de grandes volúmenes para su nueva vida, el cabello también se cortará, ya que no disponen de horas y horas para hacerse peinados elaborados y al independizarse su estética deja de estar coaccionada por el gusto de los hombres sinó por sus propios intereses: actrices, modelos, cantantes. Especialmente aparece el maquillaje muy marcado, como lo llevaban las actrices del cine mudo.

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Así, mientras por la mañana las mujeres buscaban la comodidad de la ropa para ir a trabajar, con vestidos de líneas rectas y el corte hasta la rodilla o justo por debajo de ellas, por la noche daban rienda suelta a su libertad con tejidos llenos de cuentas, brillos y lentejuelas acompañados de joyas, tocados para el pelo y maquillaje muy marcado.

LA ESTÉTICA FLAPPER EN “LAS CHICAS DEL CABLE”

EL UNIFORME AZUL

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Es monísimo y lo llevaríais para ir a tomar algo ¿verdad? Pues ese vestido azul con cinturón y cuello pico con lazada era muy típico en los años 20 y está tan bien recreado que es una joyita. Helena explicó que hicieron un montón de pruebas de teñido hasta conseguir ese color azul intenso pero no puro y que cada uno está diseñado para las características físicas de las actrices.

En España, fue el 27 de febrero de 1912 cuando se promulga la llamada “La ley de la silla”, según la cual, las mujeres que trabajaran en determinados tipos de empresa deberían de disponer de una silla para cada una de ellas que serían usadas cuando la actividad lo permitiera.

LOS VESTIDOS DE FIESTA

Como os he contado las flappers por la noche daban rienda suelta a su libertad con tejidos llenos de cuentas, brillos y lentejuelas acompañados de joyas, tocados para el pelo y maquillaje muy marcado. Exactamente lo que podemos ver en el vestuario de la serie, se utilizan telas como crepé y seda o pieles, muy populares en estas mujeres e incluso se juega con la personalidad de cada una de ellas para vestirlas. El ejemplo en el que más claramente se ve y que seguro que os habeís fijado en el, es como a Marga (Nadia de Santiago) la visten con prendas de algodón y lino, materiales más baratos y fáciles de lavar ya que su personaje en la chica de pueblo que llega a la gran ciudad y no tenía prendas tan sofisticadas como las chicas de una clase social mas elevada.
Este cambio de ropa del día (trabajo) a la noche también se ha recreado con mucho rigor histórico.

Podéis ver tres vertientes de vestidos ya que aparecen tanto piezas originales, recreaciones de originales y diseños propios de Helena junto a la Sastería Cornejo.

LOS COMPLEMENTOS

Absolutamente indispensables en la mujer de los años 20. Adornos para el pelo como las diademas alrededor de la frente, plumas abalorios y los elegantísimos sombreros “Cloché” aparecen en las fotos de las flappers y también en la serie. Tengo que decir que los sombreros que llevan son preciosos y los llevaría todos.

Además de guantes cortos, estolas y joyas “artdecó” con formas geométricas. No he encontrado de quien son las joyas que han usado, pero son preciosas.

En cuanto a los zapatos tacón, tacón, tacón, lo siento pero no serviría un zapato plano. Los más populares eran los de estilo de Mary Jane, con correa o hebilla anudada al tobillo.

LA ROPA INTERIOR

 

Quería darle una sección propia a la ropa interior ya que el detalle de que se haya cuidado tanto este detalle en el vestuario de la seria a sido un gran punto a su favor ¿Por qué? Pues porque la ropa interior de las mujeres en los años 20 era mucho mas que ropa, era una declaración de intenciones. La liberación femenina hizo que desapareciera el corsé, aparece el sujetador con copas los calzones cortos e incluso las mas atrevidas, directamente prescindieron del sujetador como símbolo de liberación.

EL MAQUILLAJE

El maquillaje de moda es extremadamente marcado como lo llevaban las actrices del cine mudo.
En la serie el maquillaje no me parece tan fiel a la realidad de los años 20, es más bien una inspiración en ellas pensado para el momento actual, pero es normal que decidieran hacerlo así ya que nuestra mirada vería muy raras a esas actrices con cejas extremadamente finas, ojos marcadísimos pero caídos y boquita de piñón.

– El ahumado es lo más típico flapper. Es un maquillaje que lleva todo el foco de atención en los ojos. La mascara de pestañas era la gran moda de la época y la solución estaba compuesta de polvo de carbón y vaselina. En este caso se ha recreado con ahumados más limpios de lo que eran en la serie y cejas un poco mas actualizadas.
– Los labios tampoco se quedaban atrás, utiliza un color de labios fuerte e intenso, preferiblemente rojo y si te atreves pítalos enfatizando el centro dejando las comisuras casi desnudas. Esta característica no se ha mantenido en la caracterización de las actrices.

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La ropa de Frida Kahlo, una lección de belleza

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Recordad a cuantas mujeres habréis visto en carnaval y todo tipo de celebraciones en las que hay que ir disfrazados “recreando” a su manera la imagen de Frida Kahlo, a muchas ¿Verdad?
Y es que la artista además de plasmar su talento e imaginación a través de sus obras, también decidió premeditadamente elaborar su propia imagen muy lejos de lo que las modas marcaban.

Icono de la moda

Mientras que a finales de la década de 1930 estaba de moda entre las mujeres utilizar vestidos entallados, cejas extremadamente depiladas y cabellos perfectamente peinados, ella se presentaba en los eventos más prestigiosos de París o Nueva York con moños, trenzas, faldas y blusas holgadas y bordadas de flores llamativas y sus famosas cejas pobladas y unidas en el entrecejo.
Esta imagen tan inusual en ese momento se llegó a volver tan fascinante e influyente que diseñadores como Jean Paul Gaultier,John Galliano, Dolce & Gabbana, Alexander McQueen, Karl Lagerfeld o Moschino se fijaron en ella para traerla de nuevo como tendencia.

Como creó su “Marca Personal”

Su imagen nada tiene que ver con la casualidad sino que la creó ella misma de forma premeditada desde que era muy jovencita para disimular sus problemas físicos. Ya de pequeña contrajo poliomielitis y esta enfermedad hizo que su pierna derecha fuera mucho más delgada que la izquierda. Así desde niña usaba cuatro o cinco calcetines para engrosar su pierna y falda larga.
Después por un grave accidente en su juventud que la mantuvo postrada en cama durante largos periodos, llegando a someterse hasta a 32 operaciones quirúrgicas que le dejarían otras muchas secuelas y entonces empezó a construir una relación entre su cuerpo y la ropa.

Las faltas largas y abultadas y los vestidos con bordados y formas geométricas se los diseñaba ella teniendo en cuenta su cuerpo, así los adornos los concentraba en la parte superior de su cuerpo, del torso para arriba, utilizaba un huipil con adornos coloridos y una falta larga con holanes.

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Igual esto os suena a que buscaba esconder sus defectos y efectivamente así era, pero no creo que tenga nada que ver con no aceptarse a si misma, si no todo lo contrarío, ella no era tonta, sabía como se veía y como quería verse, ¿Conocerse a si misma y sacarse el máximo partido no es lo que todas queremos saber hacer? Es así y por eso como aceptó su físico y redefinió el concepto de belleza.

Esta no era la única razón que encontró para crear su imagen, también hay muchas otras como sus convicciones personales y de como forma de autoexpresión.

Hay unas frases que me encanta de ella donde explica todo esto que aparece en el diario apócrifo de Frida que dice:

“ Verme de buen aspecto me servía de consuelo; me gustaba la idea de que la gente, al mirar mis autorretratos, afirmara que sí, que era verdad que Frida tenía problemas de salud y hasta que dijeran que yo era medio coja y medio paralítica, pero que sin embargo, la belleza de mi rostro era innegable.”

“La parte perfecta que había en mí era lo que más resaltaba”

La ropa y accesorios de Frida Kahlo ocultas durante 50 años

Cuando Frida murió su marido decidió colocar sus efectos personales en el baño de su casa en Méjico (La Casa Azul, que más tarde se convirtió en su museo) y dió orden de que esa sala debería permanecer cerrada hasta 15 años de la muerte de Frida ¿Creéis que se cumplió? ¡Y tanto! ¿De hecho estuvo cerrada hasta casi 50 años después!
Cuando se abrió en el año 2013, la fotógrafa Ishiuchi Miyako creó una maravillosa exposición en la que podemos ver un registro fotográfico del armario de Frida y con él se han podido descubrir tantos de sus pequeños trucos que tenía que enseñarooslos.

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“La forma de sus zapatos muestra que aceptó las cicatrices físicas que había estado cargando toda su vida y lo cambió de algo negativo en algo positivo”

Sus anchas blusas escondían los pesados corpiños que tenía que llevar para mantener su espalda derecha.

Fue la reina de los accesorios

Los vestidos tradicionales de tehuana y sus pendientes de aro, una botella de perfume medio utilizado, y un peine, todavía con mechones de pelo de Kahlo son otros de los objetos encontrados. Si os interesa ver más la fotógrafa tiene un libro de la colección que no es demasiado caro: Frida by Ishiuchi

Lección de belleza

Espero que os haya gustado y ahora cada vez que veáis la típica camiseta con la cara de Frida Kahlo, entendáis el porque su imagen es tan famosa y como ella ¿Os queráis un poco más! Seguro que eso que no os gusta de vosotras no es tan grabe como lo que le pasaba a ella y todos la adoramos, ¿Qué mejor lección nos podemos llevar de ella?

Musas que inspiraron a grandes artistas: Gala Dalí

Gala no solo fué la mujer de Salvador Dalí, Elena Ivanovna Diakonova, musa, agente e intermediaria entre el genio de su marido y el mundo real, fue de las pocas personas que además de reconocer el genio artístico de su marido, llegó a salvarle de la locura, según palabras del propio Dalí.

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Una vida intensa y misteriosa


Gala es, de entre tantas mujeres de artistas conocidas, una de las mas odiadas y con peor fama debido a su vida intensa, extravagante, sus jóvenes amantes y su carácter fiero ¿Pero porque se la juzga de esta manera? Dalí tenía la misma vida y aunque se le considera “rarito” no se le juzga tan cruelmente ¿Es por ser mujer?


Nacida en Rusia (su verdadero nombre es Elena Ivanovna Diakonova),en una familia de intelectuales, su vida daría un giro inesperado ya de muy jovencita, cuando con 19 años es internada en un sanatorio de Suiza por culpa de la tuberculosis.
Fue en esta época cuando conoció a su primer marido, un poeta francés de corriente dadaísta y surrealista y con el que fue iniciada en el misterioso y loco mundo de esta nueva corriente artística.
Cuando el matrimonio fue de viaje junto a unos amigos a Cadaqués conocieron a Dalí. A pesar de que él era 10 años menor que ella, ambos se enamoraron e iniciaron la polémica relación que todos conocemos.
Era obvio que al lado de alguien como Dalí las cosas no iban a ser ni mucho menos normales.
La menos habitual fue que el matrimonio jamás se consumó. Es decir, Dalí y Gala nunca mantuvieron relaciones sexuales con penetración. Esto, según el pintor, se debía a que ella era una diosa y no podía ser mancillada.
Pero claro, ¿Qué creéis que pasaba mientras el artista no tocaba a su mujer-diosa? Pues que ella se acostaba con todos los hombres y mujeres que se le apetecían. Pero nunca supuso un engaño. Siempre le dijo con quién se acostaba e, incluso, tuvo muchos actos sexuales que Dalí presenció. Era una de las cosas que más fascinaba al pintor: ver cómo penetraban a su mujer.

¿Solo la mujer de Dalí?

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Como ves Gala fue mucho mas que la mujer de Dalí, fue una mujer libre; nunca se sintió condicionada ni coartada ante nada ni ante nadie, impuso su voluntad como quiso, evidenciando muy a menudo unos modales groseros, bruscos e incluso agresivos.
Gala acaba con la musa de Dali
Con la publicación del diario íntimo e inédito de Gala, que apareció en 2005 en un baúl en el castillo de Púbol, se terminaron con gran cantidad de especulaciones sobre su persona y surgieron otras tantas.

La musa

Dalí ya tenía su musa inspiradora y ella a su artista, se encargó de representarle en sus negocios (era una auténtica fiera a la hora de imponer contratos) y manejó el dinero y la vida de Dalí, todo lo que ella decía, él simplemente lo aceptaba. Se dice de ella que era la que corregía sus cuadros, le decía lo que tenía que hacer, le aconsejaba que hiciese entrevistas en un sitio u otro, etc. Sin embargo, no terminó de encajar en su mundo. ¿Por qué? ¿Porque era una mujer?.

Además de todo esto y por supuesto fue la inspiración de muchas de sus mejores obras.  La pintó desnuda, vestida, de frente, de espaldas e incluso como virgen suprema.

Su muerte sumió a Dalí en una depresión que hizo que se encerrara en su castillo hasta que un incendio le provocó graves heridas y tuvo que ser ingresado en el hospital. Ingresó con síntomas severos de desnutrición. Porque sin ella Dalí se abandonó completamente.

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Gala descansa en el castillo de Púbol, donde Dalí diseñó dos tumbas contiguas con orificios laterales para que ambos pudieran entrelazar sus manos para toda la eternidad. Pero en sus últimos días, el artista pidió ser enterrado en el museo de Figueras.

Aquí no existen las mujeres olvidadas

Como hemos hablado aquí muchas veces, parece que en la historia no existe la figura de la mujer. Ha sido menospreciada e invisibilizada e incluso borrada.
Pero eso aquí no pasa y por mucho que sigamos siendo juzgadas una y otra vez (yo lo sufro a diario con comentarios que desprecian que hable sobre belleza e interpreten lo que les de la gana sin entender para nada la intencionalidad de este blog) Hoy Día Internacional de la Mujer, esta es mi pequeña aportación para que no existan mujeres olvidadas.

Las mujeres artistas

Las mujeres artistas han sido las grandes olvidadas en la historia del arte y es que la igualdad para la mujer no es que no existiera es que ni siquiera se intuía. Por esto las mujeres artistas tenían muy limitada su formación, por supuesto no podía pintar lo que ellas quisieran y cuando lo hacían su obra se atribuía a un hombre. Para que os hagáis una idea de los 8.000 cuadros de el Museo del Prado solo 4 fueron pintados por mujeres, bueno los 4 cuadros son de la misma mujer, pero esto no significa que sea la única, hay miles y maravillosas. No las olvides.


– La Abadesa Hitda

– Hildegarda de Bingen

– Sofonisba Anguissola

-Laviana Fontana

– Bárbara Longi

-Artemisia Gentilleschi

-María Eugenia de Beer

-Jósefa de Óbidos

-Luisa Roldán

-Berthe Morisot

-Mary Cassat

-Camille Claudel

-Georgia O’Keffe

-Berthe Morisot

-Maruja Mallo

-Remedios Varo

-Leonora Carrignton

-Frida Kahlo

-Tamara Lempicka

-Judith Baca

-Marina Abramovic


¿ Queréis que os cuente la historia de cada una de ellas?

Todo sobre el “ Vintage Beauty Look” de Emma Stone en los Premios Oscar 2017

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La mujer del momento, Emma Stone, llevó un look impresionante y deslumbró con un “Total Look vintage” en la gran final de los Oscar: Vestido de apariencia retro, pelo “glam” y maquillaje a juego. Ojalá lo convierta en tendencia y sea más fácil para las amantes de este estilo el encontrar ropa así sin tener que dejarnos un dineral.

Os cuento todos los secretos para poder copiar su look:

VESTIDO

Está claro que la nosotras (bueno al menos la mayoría) no podemos permitirnos el maravilloso vestido de Givenchy que lucía ella, pero he encontrado algunos modelos de la misma inspiración mucho mas asequibles y que tienen buena pinta ENLACE AQUI: Vestidos chicas flapper

Para recrear el look deberíamos hacer como ella, dar todo el protagonismo a un vestido que ya llama la atención por si mismo dejando los complementos en un sencillo segundo plano. En este caso menos es más.

PEINADO

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Ondas al agua desestructuradas al más puro estilo del viejo Hollywood recogidas tras la oreja. Tenemos la suerte de que su estilista explicara en un comunicado de presa la inspiración para realizarlo:

Paris Mara Roszak: “El vestido tiene una hermosa silueta larga y la sensación general de la diosa de los 40. Para complementar el vestido, hice que el cabello se cepillara con una onda muy suave y soñadora . “

¿Cómo lo hago?

Para crear ondas al agua solo hay que tener el cabello liso ya que dejaremos las mismas lisas y empezaremos a crear las ondas desde la parte de la sien hacia abajo.
La técnica es bastante fácil, solo necesitaremos unas buenas planchas y mucha laca.

Las ondas al agua se hacen cogiendo un mechón con la plancha y haciendo dos tipos de giro de muñeca, uno hacia dentro y otro hacia fuera. Cuantos mas giros hagamos en cada mechón mas ondas saldrán y más cerraditas quedarán.

MAQUILLAJE

En tonos cálidos como el bronce, oro, melocotón y rojo. La NARS Director de Pro Artistry, Rachel Goodwin, también nos ha dejado todas las claves para recrear el maquillaje:

Rachel Goodwin: “La inspiración es una combinación de pinturas pre-rafaelitas de Dante Gabriel Rossetti y glamour de los años 30 en Hollywood”.

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Os dejo el enlace al instagram de Goodwin para que podaís ver sus maravillosas obras de arte: Rachel Goodwin

Todos los productos utilizados:

LABIOS:

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Rachel Goodwin instagram

Ese maravilloso rojo que todas quereís es la unión de:
– PERFILADOR: Velvet Lip Liner ” KAREKARE” de NARS
– LABIAL: “Audacious Lipstick” tono  “Mona” de NARS

PIEL:

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No he encontrado si es exactamente esto lo que lleva Emma pero Rachel dejó escrito en instagram los productos que había utilizado en la piel de sus “clientas” para esa noche y son:
– HIDRATANTE: “Masque Crème à la Rose Noire” de SISLEY
– PIERNAS PERFECTAS: “White Ginger Contouring Oil for Legs” de Sisley
– COLORETE: “Orgasm” liquid blush de NARS:
– ILUMINADOR“Hot Sand” de NARS
– CORRECTOR: “Radiant Cream concealer” de SISLEY
– BRONCEADOR: “Sun Wash en Seaside” de NARS. Este si que es seguro el que utilizó en Emma pero no sale a la venta hasta primavera.

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Rachel Goodwin instagram

OJOS:

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– En todo el párpado lleva la  Velvet Shadow Stick “ Siros”de NARS
– Cuenca: Dual-Intensity Eyeshadow “Himalia” de NARS
– “V” Externa: Single Eyeshadow “Bali” de NARS
– Eyeliner “Via Appia” DE NARS

¿Qué os parece? ¿Difícil de recrear?

Lo veo perfecto para las fechas llenas de celebraciones que llegan en breves, yo tengo una boda este año y tengo claro que los tiros van a ir por ahí, ya os contaré.

La leyenda de la Venus de Botticelli: Simonetta Vespucci

La historia detrás de uno de los rostros mas bonitos de la historia del arte
¿Quién es la mujer del famoso cuadro de Botticelli?

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El nacimiento de Venus. Botticelli.  1482-1486

Simonetta Vespucci, musa y amor imposible del maestro Botticelli, fué conocida como la mujer más bella de la época.
Hija de un noble genovés, su belleza se hizo tan famosa en Florencia que todos los nobles de la ciudad estaban obsesionados con ella, incluso los hermanos más poderosos de la ciudad, los Médici (mecenas de Botticelli) intentaron conquistarla. Sin embargo ella se casó con solo 16 años con un amigo y vecino de nuestro querido pintor.

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Retrato de Simonetta de Botticelli

Imaginad como siendo considerada la mujer mas bella de la ciudad, le tocó posar para muchos de los artistas de una Florencia llena de creatividad, pero quien repitió hasta llegar a la obsesión el rostro de su venus fué Botticelli.
Los rumores hablan de que el pintor estaba locamente enamorado de ella, pero siendo consciente de su posición y la de ella, decidió nunca declararle sus sentimientos y solo expresarlos a través de su arte. Fuera o no así (a mi parte romántica le encanta creer que sí y recordar esta historia cuando la veo en uno de sus cuadros) si es impresionante comprobar la huella que dejó en Botticelli esta mujer, a la que prácticamente dedicó casi todos su cuadros.

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Detalle de Simonetta, como su musa en la obra “La primavera”

Pero… ¿Os he contado yo alguna historia de mujeres icono de la belleza que no tengan un triste final?
Siento decir que Simonetta no va a ser una excepción y con tan solo 22 años falleció de tuberculosis.

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La primavera. Boticelli. 1477-1482

El pintor no pudo soportar la pérdida de su amada, y vivió el resto de su vida obsesionado con su belleza, retratándola en muchas de sus obras. De ellas mis dos favoritas son: “Venus y Marte”, en el que él se retrata como a Marte y a Simonetta como a Venus, y en segundo lugar “El nacimiento de Venus”, su mayor homenaje a Simonetta y una de las obras más conocida de la historia del arte.

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Venus y Marte. Boticcelli. 1483

 

En 1510 cuando Sandro fallece es enterrado a los pies de la tumba de Simonetta, se dice que fue así porque lo pidió en sus últimas voluntades. Sea o no una historia sin fundamento, que bonito broche final para un amor prohibido que marcó la obra de uno de los mejores pintores del renacimiento.

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Rostro de Venus inspirado en Simonetta Vespucci

Después de conocer su historia volved a mirar el cuadro ¿Lo veis con otros ojos? Yo espero que contándoos estas anécdotas vuestra contestación sea: ¡Sí!

Libros recomendados, Face Paint: The Story of Makeup

Estoy segura de que todas las que estés leyendo esto conoceréis a Lisa Eldridge. Estrella de Youtube y maquilladora de “celebrities”. Pero lo que no es tan conocido de ella, es su gran interés por coleccionar elementos vintage e historicos relacionados con el maquillaje. Su amor por ello hizo que comenzara una investigación sobre la historia del maquillaje hace ya 10 años y que esto la llevara a escribir su primer libro: “Face Paint: The story of Makeup”.

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¿De que va?

Como os voy contando en este blog, el maquillaje, como sabemos, comenzó a comercializarse hace tan solo un siglo, pero la aplicación de colores tanto en la cara como en el cuerpo puede que sea una de las prácticas sociales más antiguas que conocemos.
En Face Paint, Lisa Eldridge revela la historia de esta forma de arte, desde el antiguo Egipto a las épocas clásicas pasando por la edad Victoriana y la era de oro de Hollywood.
Además inspecciona la ciencia de maquillaje vanguardista, los materiales empleados durante generaciones y los iconos del maquillaje a los que todavía hoy la gente emulamos.
No es solo la historia de un estilo, es también la historia social de las mujeres y los caminos por los cuales podemos entender sus vidas desde el prisma y el impacto del maquillaje.

Detalles que marcan la diferencia:

Una estructura original

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Su contenido ameno, entretenido y curioso, no lo convierte en una enciclopedia de historia del maquillaje. Si esto fuera así, podría parecer un contenido excesivamente denso para muchas personas.
En cambio el contenido del libro, huye de la estricta estructura cronológica para convertirse en capítulos divididos por colores.
¿Como?
Así es, dividido en dos secciones, la primera, titulada “La antigua paleta” se divide en tres capítulos, cada uno de ellos dedicado a los tres colores primordiales en el maquillaje: rojo, blanco y negro.20160505_193625-1
La segunda sección está dedicada al negocia de la belleza, ilustrándonos con curiosidades, pioneras del estilo y las tendencias actuales.

Maquetación e ilustración

Las fotografías son preciosas y muy ilustrativas. Cada página tiene enormes fotografías a toco color, mezclando maquillajes antiguos, publicidad, fotografías, dibujos y obras de arte. Esto unido a una maquetación impecable, lo convierte en un libro de esos que quieres tener en tu estantería y hojear de vez en cuando.

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¿Mi opinión?

Mis amigas me han preguntado ¿Pero a ti como historiadora del arte, te ha gustado? ¿Hay cosas que cuente que no son así?
Primero de todo, ¡no tengo ni idea! ¡Que estudies una carrera de letras no significa que seas un libro!
En segundo lugar tengo que confesar que uno de mis temores al ponerme frente a este libro era precisamente el de que se hubiera metido en terrenos pantanosos de los que no pudiera salir, o encontrar algún gazapo histórico de los gordos. Pero tengo que decir que en absoluto es así, me parece que se acerca al tema de una forma muy sencilla, clara y muy bien documentada.

Para mi este libro ayuda a acercarse a personas a las que les gusta el maquillaje a otro punto de vista del mismo, a su historia, como a llegado a alcanzar la popularidad de hoy en día y convertirse en un negocio millonario, e incluso a entender y pensar sobre el tabú que todavía hoy se tiene hacia él.


Datos de interés
Nombre: Face Paint, the story of makeup
Educuón: 13 octubre 2015
Autora: Lisa Eldridge
Precio: Tapa dura 23,53€
Ah, se me olvidaba un dato muy importante, lo siento mucho pero por el momento ¡solo está en inglés!

Para más información


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Shu Uemura y el arte de la belleza

“Crear algo universalmente bello. Eso es arte”

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El único hombre de su escuela de belleza:

Nacido en Tokio, Sue Uemura comenzó su andadura hasta la gran figura de la cosmética que conocemos hoy, siendo el único estudiante masculino, en una clase de 130 alumnos, de su escuela de belleza en la conservadora sociedad japonesa de los años cincuenta.
Tras licenciarse, decidió mudarse a Estados Unidos, para intentar entrar en el negocio de maquillaje de cine y televisión.

 

Hollywood cae rendido a sus pies:

Su primera gran oportunidad fué cuando consiguió entrar en el set de la película de 1962, Mi Geisha. El maquillador oficial de la película cayó enfermao y él fué llamado para sustituirlo. A partir de su espectacular trabajo al transformar la actriz Shirley MacLaine, un caucásico, en una mujer japonesa., comenzó a convertirse en uno de los artistas favoritos de Hollywood.

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Mi dulce Geisa, transformaciñon de la actriz Shirley MacLaine

 

Gracias a ello comenzó a trabajar con personalidades conocidas de Hollywood, incluyendo Edward G. Robinson, Frank Sinatra y Lucille Ball.

 

Limpieza facial japonesa:

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Aceite limpiador

 

Su interés por la belleza y el maquillaje le llevaría pronto a desarrollar y lanzar su primer producto cosmético en el año 1960. Su aceite limpiador, que dejaba la piel más limpia que el propio jabón además de actuar como hidratante sigue siendo uno de los más populares en Japón y en el resto del mundo.

 

 

 

Su filosofía del maquillaje, arte y belleza:

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Sus inicios

 

Uemura desarrolló una filosofía de maquillaje en la que la salud de la piel de sus clientes debía ser el aspecto más importante de cada cosmético. Creía en la mejora de la belleza natural de la mujer gracias a crear no artificialmente con productos cosméticos.

 

 

 

Shu Uemura Art of Hair es casi una filosofía de vida. No en vano, todos y cada uno de sus tratamientos están inspirados en el ritual de la ceremonia del té y se llevan a cabo con técnicas de masaje shiatsu. Sus productos, formulados con aceite de comino negro, rosa mosqueta, argán y camelia, han sido concebidos como pigmentos que pueden ser mezclados entre sí, de la misma forma que se hace en el arte

 

 

Shu Uemura Cosmetics:

En 1964 regresó a japón y abrió la escuela de maquillaje de Shu Uemura, que enseña las técnicas de maquillaje que él aprendió en Hollywood. Fundó una compañía de cosméticos y abrió su primera tienda boutique en el distrito de Omotesando de Tokio. Su empresa se convirtió en una fuerza importante en el mercado de la belleza tanto para japoneses como internacionales.

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Primera tienda abierta en Tokio

 

Shu Uemura vendió su participación mayoritaria en la compañía al fabricante de cosméticos frances L’Oréal en 2004 ,sin embargo, él seguía siendo la fuerza creativa detrás de Shu Uemura Cosmetics abriendo tiendas en París, Nueva York, Londres y Hong Kong, así como puntos de venta en todo Japón.
Su línea de productos se ha ampliado tanto que podemos encontrar desde productos de pelo, estilo de vida, perfumes, pestañas postizas y pinceles hechos a mano. Fué pionera en lanzar colecciones temporales y creó sus famosas demostraciones de maquillaje , realizadas casi como experienciar artísticasy estableció concursos para descubrir nuevos talentos.

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Shu Uemura falleció en 2007 por culpa de una neumonía en Tokio, pero tenemos la suerte de quedarnos, como dice su biografía:

Con el espíritu de un verdadero artísta que persiguió constantemente los más altos estándares de belleza, tanto en la creación y presentación del maquillaje como en el modo de maquillaje con el que abrió la paleta del artista al mundo, fomentando la expresión visual de maquillaje como nunca antes se había visto o tratado. Productos cosméticos , cajas de maquillaje, envasado y visuales de marca reconocidos internacionalmente en trabajos de colaboración de edición limitada de arte

El cuerpo vestido. Siluetas y moda (1550–2015)

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Domingo de museos, hoy ha tocado: El Museo del Disseny de Barcelona, para conocer una de las cuatro secciones permanentes más visitadas: “El cuerpo vestido, siluetas y moda desde 1550 hasta el 2015”. Un magnífico recorrido por la historia de la moda ubicado en el edificio del Disseny Hub Barcelona.

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MIS EXPECTATIVAS

Había leído críticas bastante negativas hacia este museo, así que mis expectativas en respecto a esta exposición no eran nada del otro mundo. Me habían hablado de exposiciones pobres y mala organización.
Sin embargo tengo que decir, que al menos “El cuerpo vestido” me pareció agradable de visitar y su organización fuera del típico y estricto orden cronológico me sorprendió.

LA EXPOSICIÓN

“El cuerpo vestido, siluetas y moda” repasa de forma súper didáctica como el vestido ha ido modificando la silueta a lo largo del tiempo. Dividida en diferentes ámbitos, lo que más me llamó la atención es el hilo conductor tan original que se ha elegido para guiarte por la exposición.
Normalmente en este tipo de exposiciones vemos uno tras otro los estilos y modas del momento, explicando las piezas y ya está. Pero en esta ocasión el cuerpo, la silueta y la figura es el hilo explicativo por el que caminamos admirando las piezas. Hablando de piezas, creo que la selección de piezas es buenísima. Los vestidos se dividen por épocas y son acompañadas por maniquíes que nos muestran la parte del cuerpo que se modifica en la moda de ese momento.

  • APRENDIENDO UN POCO MÁS:

Desde la antigüedad los humanos han alterado la forma y la apariencia de su cuerpo con peinados, joyas, tatuajes y, sobre todo, mediante el vestido.
Las diferentes maneras de vestirse tienen que ver con los códigos morales, sociales y estéticos de cada época. La moda impone cánones de belleza y las siluetas y los volúmenes se modifican: la naturaleza deja paso al artificio. El vestido cambia las proporciones y modifica la relación de la persona con respecto al espacio y a los demás individuos.
La exposición El cuerpo vestido explica cómo el vestido modifica la apariencia del cuerpo mediante unas acciones que tienden a comprimirlo y a liberarlo alternativamente, desde el siglo XVI hasta la actualidad.
Las acciones
El vestido modifica la apariencia del cuerpo

1. Amplía:
Crea volumen mediante estructuras interiores o bien con tejidos rígidos y amplios que lo separan del cuerpo.
Ensanchan la figura de la cintura a los pies: guardainfantes, enaguas, miriñaques y polisones.
Envuelven y amplían la silueta: chales y capas.

2. Reduce:
Disminuye las formas naturales del cuerpo, especialmente el tórax y la cintura.
Comprimen el torso: corsés, jubones, sujetadores y cinturones.

3. Alarga:
Estira la imagen para que el cuerpo parezca más alto.
Prolongan la figura: zapatos de tacón y plataformas, peinados, sombreros y vestidos de largas colas.

4. Perfila:
Sigue las formas del cuerpo sin modificarlo.
Marcan la silueta: medias, guantes, bodies y camisetas de género de punto y tejidos elásticos.

5. Destapa:
Insinúa la silueta, muestra piernas y brazos y enseña la piel.
Revelan la figura: tejidos transparentes; vestidos cortos, sin mangas y escotados.

 

Más información: http://www.museudeldisseny.cat/es/exposicion/el-cuerpo-vestido-siluetas-y-moda-1550-2015

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LA REACCIÓN DE LOS VISITANTES

Como ya sabéis, me encanta “cotillear” un poco el comportamiento de los demás visitantes ante la exposición. En esta ocasión me llamó la atención especialmente dos reacciones.
La primera fue el revuelo que llevaban algunas visitantes intentando averiguar de que fecha era este o aquel vestido ( fallando en la mayoría de los casos) y la segunda las charlas y comentarios sobre si hoy en día se pondrían estas piezas.
Es curioso ver como en cada exposición a la que vas las reacciones son totalmente distintas y en esta en particular me dio la sensación de que la gente miraba las piezas no como “arte” sino como el que mira el escaparate de una tienda.

DETALLES QUE MARCAN LA DIFERENCIA

Especial mención al ámbito” Elementos ocultos en el interior del vestido que ayudan a crear siluetas y volúmenes” . En el encontramos un gran cantidad de corsés, sujetadores, miriñaques y polisónes, expuestos casi como si los viéramos en un escaparate de corsetería. En el centro, las estructuras en madera que nos explican como cambia la forma de los cuerpos cada una de las piezas. Magnífico, llamativo y muy educativo.

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LO QUE ME HA FALTADO
La salas están en casi total oscuridad poniendo el punto de luz en los trajes o vestidos, y eso me pareció una forma original de hacer “cambiar el chip” a la persona que entra a ese “mundo creado” pero aunque la idea sea fantástica, me faltó un poquito más de luz para poder apreciar todos los detalles.
Además me faltaron mas piezas masculinas, se agradece que estuvieran, ya que normalmente ni aparecen, pero me quedaron lagunas a ese respecto.

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Helena Rubinstein: “Beauty is Power”

Helena Rubinstein no es solo el nombre de una firma cosmética, Tras este nombre comercial hay una gran mujer que convirtió un pequeño negocio familiar en un gran imperio empresarial.

¿Os gustaría saber más?

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Biografía:

Helena nació en 1872 en el seno de una humilde familia que residía en el barrio judío en Cracovia. Aunque era la mayor de 8 hermanas, en una familia con muy pocos recursos económicos, intentó estudiar medicina hasta que su padre decidió enviarla a Australia a casa de su tío materno.

Una vez instalada en su nuevo hogar, la piel blanca y suave de una mujer polaca, comenzó a ser la envidia de las mujeres de Melbourne. El clima australiano dañaba muchísimo la piel de unas mujeres poco acostumbradas a cuidar su rostro.
¿Cual era su secreto? Helena había llevado en su maleta 12 tarritos de una crema que su madre le había regalado. Al conocer de su existencia, todo el mundo comenzó a solicitarle un botecito de esos y de esta forma nacería su primera crema: Valaze

En muy poco tiempo su pequeño negocio crece tanto que decide viajar a Europa, seguir aprendiendo sobre la piel y la cosmética y abre su centro en París.
Pero cuando empieza la I Guerra Mundial se traslada a Estados Unidos donde se vuelca en construir un imperio empresarial. A finales de los años 50 ya tiene 14 fábricas de cosméticos y más de 40.000 empleados.
Así consiguió reinvertar el concepto de belleza, inventó la máscara de pestapas provista de un cepillo en su interior, la máscara waterproff. Y creó un mercado millomario de cosméticos con fábricas, laboratorios, plantaciones de flores y salones de belleza en catorce países, que a mediados de los años 60 tenía empleadas a 32.000 personas en todo el mundo.

Pero no todas las historias tienen un bonito final, la mujer que lo había conseguido todo y tras una muy larga vida, fallece en un hospital de Nueva York en 1965 en completa soledad.

Un poco de cotilleo:

 

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-Se casó con el periodista Edward Titus al que conoció gracias a los anuncios de sus productos en el periódico, con el que tuvo dos hijos.

– Se divorció tras 19 años de matrimonio, aunque dos años más tarde se convirtió en Princesa gracias a su matrimonio con el príncipe georgiano Atchill Gourielli.

-Su gran competidora y enemiga fue Elizabeth Arden, otra reina de la cosmética.
El poco cariño que se tenían era recíproco y a lo largo de sus vidas se atacaron, se quitaron empleados e incluso intentaron robarse los secretos de sus productos.

Curiosidades:

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– Su línea de cosmética masculina fue una de los primeras en el mundo.

– Fue la primera en darse cuenta de que había tres tipos de pieles femeninas: normal, seca y grasa, y que cada una de ellas necesitaba un tratamiento específico.

– inventó la máscara de pestañas con aplicador.

_ Inventó la máscara de pestañas Waterproof, creada a petición del equipo norteamericano de natación sincronizada en 1939.

– Formó a sus vendedoras para enseñar a las mujeres a los conceptos básicos de cuidado de la piel.

– Creó la Fundación Helena Rubinstein para financiar organizaciones interesadas en los servicios de salud, la investigación médica y la rehabilitación de los niños.

-Amaba el mundo del arte, del que se convierte en patrona y coleccionista, una pasión que mantuvo durante toda su vida.

– Su colección de joyas de fue valorada en más de un millón de dólares en y contenía piezas que pertenecieron a la emperatriz Catalina de Rusia.

– Dejó a su hijo una fortuna colosal, quince fábricas y 30,000 empleados en el mundo.

 

Helena y el arte:

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Helena y Picasso

A medida que su negocio y fortuna crecían, también lo hizo su interés en el arte. Acumuló importantes colecciones de escultura africana, pintura moderna y escultura, arte oriental y de Oceanía, y antigüedades egipcias.
Era amiga y mecenas de los artistas más reconocidos del mundo hoy como el más importante del mundo. Helena Rubinstein buscó a los mejores pintores para que pintaran su retrato. Todos aceptaron, excepto Picasso, que no quería pintar una imagen real como ella le encargó. Decidida a conseguirlo, en 1955, Rubinstein se presentó en la casa del artista en la Costa Azul, y éste aceptó hacer algunos bocetos para un futuro cuadro que jamás pintó.

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Dalí

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Picasso

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